Насмотренность давно стала почти обязательным пунктом в списке того, что должен развивать фотограф. Смотреть работы сильных авторов, изучать кино, живопись, рекламу, дизайн, сохранять интересные решения, разбирать свет и композицию — всё это действительно расширяет визуальный опыт.
Но у насмотренности есть сторона, о которой говорят значительно реже. Чем больше фотограф видит чужих удачных решений, тем легче начать воспроизводить их автоматически. Особенно сегодня, когда перед глазами постоянно находятся Pinterest, Instagram, Behance, подборки референсов и бесконечные ленты с визуально сильными кадрами.
Может ли насмотренность мешать появлению собственного стиля? Или без неё собственный стиль вообще сложно сформировать?
Однозначного ответа здесь нет. Всё зависит от того, как именно фотограф использует чужой визуальный опыт.
Что вообще называют насмотренностью
Насмотренность — это не просто количество просмотренных фотографий. Скорее, это накопленная визуальная база, которая позволяет быстрее замечать закономерности.
Со временем фотограф начинает интуитивно чувствовать баланс в композиции, понимать, какой свет даст нужный объём, замечать конфликтующие цвета, видеть неудачный фон ещё до нажатия на кнопку спуска.
Часть этих решений приходит из практики. Другая часть появляется благодаря тому, что мы уже видели сотни или тысячи примеров работы с похожими задачами.
Поэтому сама по себе насмотренность чрезвычайно полезна. Она экономит время на обучении и позволяет пользоваться опытом, накопленным другими авторами задолго до нас.
Проблема возникает тогда, когда визуальная библиотека начинает превращаться в набор готовых шаблонов.
Почему насмотренность действительно помогает фотографу
Начинающему фотографу особенно сложно придумать решение задачи, о существовании которого он ещё не знает.
Например, можно долго пытаться сделать выразительный портрет при естественном свете, пока однажды не увидеть, как кто-то использует дверной проём, отражатель или узкую полоску света из окна.
После этого появляется ещё один инструмент.
То же происходит с композицией, цветом, работой с пространством, движением и позированием. Чем больше хороших примеров видел фотограф, тем больше вариантов он способен рассмотреть во время собственной съёмки.
Причём полезной бывает не только фотография. Кино показывает работу с последовательностью кадров, светом и цветом. Живопись помогает понимать композицию и распределение внимания внутри изображения. Архитектура развивает чувство геометрии и ритма. Дизайн учит работать с визуальной иерархией.
Если смотреть на насмотренность именно так, она становится не источником готовых фотографий, которые нужно повторить, а способом изучения визуального языка.
Где начинается обратный эффект
Современный фотограф сталкивается уже с другой проблемой: недостатка изображений практически нет. Скорее наоборот.
Перед съёмкой можно за десять минут найти сотни примеров портретов в поле, фотосессий у окна, кадров с машиной, свадебных прогулок, предметной съёмки или любого другого сюжета.
Это удобно, но постепенно может изменить сам процесс создания фотографии.
Допустим, фотограф готовится к портретной съёмке. Он открывает подборки и сохраняет понравившиеся кадры: один из-за позы, второй из-за света, третий из-за цветовой гаммы, четвёртый из-за композиции.
К началу съёмки будущий результат уже довольно подробно существует в голове. В такой ситуации становится значительно сложнее заметить что-то неожиданное непосредственно на площадке.
Фотограф уже знает, какой кадр он хочет получить. И здесь возникает парадокс: насмотренность, которая должна была расширять количество вариантов, начинает их ограничивать.
Референс может быть инструментом, а может стать инструкцией
Сам по себе референс не мешает авторскому стилю.
В коммерческой работе он вообще часто необходим. Фотографу, заказчику, модели, стилисту и визажисту проще договориться о результате, если все видят приблизительное визуальное направление.
Проблема появляется тогда, когда референс воспринимается слишком буквально.
Есть разница между фразами «мне нравится принцип освещения в этом кадре» и «нам нужно снять вот такой кадр».
В первом случае фотограф берёт идею и может развить её по-своему. Во втором он получает готовую задачу на воспроизведение.
Если большинство съёмок строится по второй схеме, человек прекрасно тренируется повторять хорошие изображения, но собственные решения появляются значительно реже.
При этом внешне результат может быть очень сильным: хороший свет, аккуратный цвет, профессиональная композиция. Всё работает. Только фотография начинает напоминать десятки других фотографий.
Почему копирование на этапе обучения — не обязательно плохо
Почти любой творческий навык начинается с повторения.
Фотограф пробует обработку любимого автора, повторяет схему света, пытается построить похожую композицию. Именно в процессе такого копирования часто становится понятно, почему чужое решение вообще работает.
Это нормальный этап обучения. Более того, попытка сразу создать совершенно уникальный визуальный язык обычно заканчивается тем, что автор просто не замечает собственных ограничений.
Чтобы нарушать правила осознанно, полезно сначала понять, какие правила существуют.
Поэтому вопрос не в том, копировал ли фотограф когда-нибудь чужие работы. Важнее другое: остаётся ли он на стадии повторения или постепенно начинает использовать изученные приёмы свободно.
Можно ли сохранить стиль, если вообще не смотреть других фотографов
Иногда возникает противоположная идея: если меньше смотреть чужих работ, влияние будет слабее и собственный стиль появится естественным образом.
Звучит логично, но изоляция от чужой фотографии не гарантирует оригинальности.
Фотограф может несколько лет самостоятельно прийти к визуальному решению, которое уже давно существует и активно используется другими авторами. Просто он об этом не знает.
Кроме того, собственный стиль редко появляется из абсолютной пустоты. Он складывается из огромного количества влияний: любимого кино, окружающей архитектуры, книг, рекламы, путешествий, особенностей света в привычном городе, техники, которой пользуется фотограф, людей, которых он любит снимать.
Поэтому задача вряд ли заключается в том, чтобы полностью устранить внешнее влияние. Гораздо интереснее научиться перерабатывать его.
Активная и пассивная насмотренность
Полезно обратить внимание на то, как именно мы смотрим фотографии.
Пассивная насмотренность выглядит примерно так: человек листает ленту и сохраняет всё, что кажется красивым. Через несколько месяцев у него тысячи изображений, но трудно объяснить, почему каждое из них понравилось.
Активный просмотр устроен иначе. Фотограф пытается понять, что конкретно делает изображение интересным: свет, расстояние между объектами, цветовой контраст, выбранный момент, фокусное расстояние или работа с фоном.
В этот момент внимание переключается с готовой картинки на принцип. А принцип значительно легче использовать по-своему.
Например, вместо того чтобы запомнить конкретный портрет девушки возле окна, можно заметить, что свет падает почти параллельно стене и освещает только часть лица. Теперь этот приём можно попробовать в совершенно другой комнате, с другим человеком, другим фоном и другой композицией.
От исходного кадра почти ничего не останется, а полученное знание продолжит работать.
Может ли высокая насмотренность мешать собственным идеям
Да, и не только через копирование.
Чем больше сильных фотографий видит человек, тем выше становится его внутренняя планка. Иногда это полезно: фотограф быстрее замечает собственные слабые места и меньше удовлетворяется первым приемлемым результатом.
Но бывает и обратный эффект. Идея ещё не успела сформироваться, а внутренний редактор уже сообщает, что она слишком простая, что подобное кто-то снимал, что свет недостаточно интересный или композиция слишком очевидная.
В результате автор начинает отбрасывать собственные импульсы ещё до эксперимента.
Особенно сильно это ощущается сегодня, потому что в интернете мы чаще видим чужую тщательно отобранную витрину. Фотограф публикует один лучший кадр со съёмки, но зритель не видит остальные триста.
Если постоянно сравнивать свой обычный рабочий процесс с чужими лучшими результатами, легко решить, что собственные идеи недостаточно хороши.
Возможно, насмотренности нужны паузы
Интересный способ работы — периодически разделять этап изучения и этап создания.
Например, некоторое время активно смотреть фотографии, кино, выставки, разбирать свет и композицию, собирать интересные наблюдения. А перед собственной съёмкой не открывать референсы вовсе.
Тогда остаётся то, что действительно запомнилось. Причём память почти неизбежно искажает увиденное: мы забываем часть деталей, смешиваем несколько источников, добавляем собственный опыт.
И как раз из этих искажений иногда рождается что-то значительно более личное, чем при попытке точно повторить сохранённую картинку.
Как понять, что насмотренность начала мешать
Наверное, один из самых интересных признаков — зависимость от референсов.
Если без подборки чужих кадров трудно представить будущую съёмку, возможно, визуальная база начала работать как костыль.
Другой признак — постоянное ощущение, что почти любой собственный кадр «недостаточно современный», потому что он не похож на изображения из текущих трендов.
Ещё один вариант — когда портфолио быстро меняется вслед за модой. Сегодня везде тёплая плёнка — появляется тёплая плёнка. Через год популярны жёсткая вспышка и прямой свет — портфолио перестраивается в эту сторону.
Само по себе следование трендам не является проблемой, особенно в коммерческой фотографии. Вопрос только в том, остаётся ли внутри этих изменений что-то устойчивое, что действительно принадлежит самому автору.
Нужно ли ограничивать насмотренность
Универсального ограничения здесь вряд ли получится придумать.
Одному фотографу полезно смотреть значительно больше, потому что он много лет использует одни и те же решения и уже перестал замечать другие возможности. Другому, наоборот, может помочь месяц без Pinterest и ежедневных подборок фотографов.
Поэтому важнее не количество увиденного, а характер взаимодействия с этим материалом.
Насмотренность работает хорошо, когда увеличивает количество возможных решений. Она начинает мешать, когда незаметно сокращает их до набора уже знакомых красивых вариантов.
Насмотренность и собственный стиль не противоречат друг другу
Собственный стиль редко появляется в результате сознательного решения: «с сегодняшнего дня я буду снимать вот так».
Чаще он становится заметен задним числом.
Фотограф снимает разные проекты, пробует чужие приёмы, ошибается, меняет обработку, экспериментирует со светом. Что-то быстро надоедает, а к чему-то он возвращается снова и снова.
Постепенно появляются повторяющиеся предпочтения: определённое расстояние до человека, любимый тип света, отношение к цвету, способ строить кадр, выбор момента и даже тип ошибок, которые автор почему-то считает красивыми.
Всё это смешивается с накопленной насмотренностью.
Поэтому, возможно, вопрос стоит формулировать не «мешает ли насмотренность собственному стилю», а немного иначе: позволяем ли мы себе после просмотра чужих работ снова остаться один на один со своим кадром?
Если да, насмотренность становится огромным ресурсом. Если перед каждым нажатием на кнопку где-то в голове лежит готовая чужая фотография, которую хочется догнать, собственному визуальному языку действительно остаётся меньше пространства.
И, пожалуй, именно здесь проходит самая интересная граница между обучением у других и постепенным появлением собственного авторского почерка.